Comment maitriser une nature morte

A la manière de Paul Cézanne ou Georgio Morandi

Utilisation de gris subtils dans la peinture de nature morte

Deux maîtres de la nature morte ont beaucoup à nous apprendre sur le développement de nos peintures.

L’artiste italien Giorgio Morandi (1890–1964) et le peintre français Paul Cézanne (1839–1906) sont deux des maîtres les plus admirés de la nature morte. Ils sont vénérés parce que les artistes peuvent apprendre beaucoup en étudiant leurs peintures .

Comment maitriser une nature morte

En essayant de comprendre comment,  ils ont traité une sélection d’objets communs, une composition de formes interdépendantes, la manipulation subtile de couleurs harmonieuses et un arrangement de lumière unifié.

Je veux parler de certains éléments-clés dans la création d’une peinture à l’huile de style nature morte.

Que vous soyez un peintre débutant ou avancé, cette démonstration  vous aidera à améliorer votre approche de la nature morte.

Cette  peinture « Gris subtil » est une nature morte créée en deux heures,  en utilisant une technique alla prima (peinture en une seule séance). La peinture à l’huile a été inspirée par les compositions, les sujets et les couleurs de Morandi, qui a travaillé avec des objets similaires et une palette limitée pour créer certaines des plus belles peintures de natures mortes jamais réalisées.

 

Ses peintures sont des rappels utiles de la richesse d’un sujet de nature morte si l’on comprend et embrasse le genre. Ce qui semble à l’origine simpliste devient complexe à mesure que l’on émule l’utilisation subtile de Morandi de couleurs en sourdine et des coups de pinceau visibles.

Cette nature morte  a été soigneusement modélisée afin de ne pas perdre la spontanéité impliquée par les marques de pinceau. Plus de détails n’améliorent pas nécessairement une peinture. En fait, une édition soigneuse a souvent plus d’impact qu’une élaboration excessive. Il est important pour un artiste d’observer et de modifier constamment au fur et à mesure que sa peinture prend forme.

Les couleurs qui ont été utilisées pour créer ce tableau étaient le jaune de Naples, l’ocre jaune, la lumière rouge cadmium, la terre de Sienne brûlée, le bleu outremer et le blanc de titane. Le choix de palette était limité, ce qui a aidé à établir l’harmonie des couleurs.

Comment maitriser une nature morte

Comment maitriser une nature morte

Pour cette nature morte, l’artiste a imprégné un jus de terre de Sienne brûlée à l’avance (établissant une imprimatura), ce qui a pour effet de tonifier le fond.

Ensuite, il a laissé la surface sécher complètement pendant quelques semaines avant de commencer la nature morte.

Quand il a repris son travail, il a  dilué la couleur de l’huile de terre de Sienne brûlée avec une petite quantité de médium à glacis pour s’assurer que la couleur ne retrouverait pas ses propriétés humides une fois le processus de peinture commencé.

L’une des principales façons d’obtenir d’excellents mélanges de gris n’est pas de prendre le raccourci pour utiliser des noirs ou des gris pré-mélangés, mais plutôt d’utiliser diverses combinaisons de couleurs.

Par exemple, lorsque vous voulez  un gris-vert,  vous devez  combiner du bleu outremer et de l’ocre jaune et ajouter de l’alizarine cramoisie permanente pour approfondir et assourdir la couleur à la température de couleur approximative et à la valeur dont vous avez besoin.

Vous devez  mélanger  toujours la couleur secondaire, puis, ajoutez  un complément de valeur et de température opposées. Le résultat de cette méthode est toujours un gris riche qui a plus de profondeur.

Cézanne et Morandi ont utilisé les gris d’une manière exquise en faisant de merveilleuses transitions entre les couleurs pures et les lumières et les ténèbres.

Comment maitriser une nature morte

Sélection d’un sujet

Nous avons tous des tendances, des habitudes ou des préférences. À la fin de la journée, la seule chose vraiment importante est que nous peignons ce qui nous passionne. Nos peintures sont plus susceptibles d’avoir ce «facteur X» personnel,  lorsque nous peignons avec passion.

Cela étant dit, je suggère que vous envisagiez de sortir de votre zone de confort de temps en temps pour acquérir une meilleure compréhension de vous-même et du processus créatif dans lequel vous êtes engagé.

Par exemple, si vous essayez de peindre une nature morte, travaillez à partir d’un arrangement d’objets que vous ne regrouperiez pas normalement. Une autre idée serait de visiter un magasin d’antiquités et de découvrir de vieux pots, casseroles, bouteilles et autres ustensiles de cuisine qui pourraient vous permettre de raconter une histoire à travers leur apparence usée.

Enfin, sélectionnez des objets simplement en raison de leur forme, de leur couleur, de leur texture ou de leur taille et arrangez-les de manière à contraster leur apparence.

Dans le cas de cette démonstration, il s’est concentré sur des bouteilles très anciennes et décolorées, un bougeoir, un pilon et quelques blocs de bois que j’ai disposé  sur une table de modelage.

L’artiste ici a délibérément sélectionné des pièces qui manquaient de couleur forte parce qu’il  voulait se mettre au défi de se plonger dans la subtilité des relations chromatiques plutôt que dans un contraste évident entre des surfaces très différentes.

Composer une nature morte

Une fois que vous avez sélectionné les éléments qui vous intéressent, placez-les à un endroit où vous pouvez les voir sous différentes hauteurs et sous différents angles, à partir d’une vue plongeante au-dessus, d’un point de vue direct ou d’une vue basse à œil de ver.

Cela vous aidera à déterminer le meilleur point de vue à partir duquel le spectateur verra le sujet. Si vous n’êtes pas sûr du point de vue à partir duquel peindre les objets, faites des croquis miniatures ou feuilletez les pages d’un livre sur la nature morte pour voir ce que d’autres artistes ont fait.

Considérez comment leurs compositions suggèrent un ordre équilibré, un mouvement anticipé, un désarroi troublant ou une incertitude mystérieuse.

Lorsque vous verrouillez finalement une composition, elle peut présenter une image très complexe ou assez simple. Vous verrez rapidement que ce processus décisionnel est une étape essentielle dans la création d’un tableau. Prenez votre temps, absorbez le sujet, soyez avec lui, laissez-le vous parler, faites confiance à votre intuition et vous saurez quand il aura raison.

Pour cette démonstration, l’artiste a arrangé une composition au niveau des yeux afin que les variations ne viennent pas des relations spatiales, mais des différences de couleur, de hauteur et de forme.

L’importance de l’éclairage

Une fois que vous avez une disposition des objets et un point de vue établit, il est temps d’allumer. Elle peut traverser une fenêtre ensoleillée sous forme d’un fort flux de lumière chaude ou avec une exposition orientée au nord sous forme de lumière fraîche et uniforme créant des bords plus doux avec des tons bleu-gris.

Les lampes à incandescence peuvent éclairer des objets avec un éclairage directionnel puissant, créant des bords durs et peuvent augmenter les zones de lumière qui pourraient être définies avec précision.

Les artistes recommandent souvent la lumière du Nord,  pour un atelier de peinture,  car c’est une lueur constante de lumière froide qui crée des ombres chaudes.

Aucune situation d’éclairage unique n’est bonne ou mauvaise. Chacune est différente et établit des relations variables entre l’intensité et la température des couleurs.

La lumière du Nord a tendance à rester stable, permettant à un sujet d’être peint sur une longue période de temps sans que la lumière ne change au cours d’une journée normale. La lumière naturelle offre la possibilité de travailler avec la lumière chaude et dorée disponible au début et à la fin de la journée.

Si vous n’aimez pas l’idée de traiter avec la lumière naturelle, ou si votre emploi du temps ne laisse que le temps de peindre la nuit, l’éclairage artificiel peut vous offrir un nombre illimité d’heures pour peindre un sujet. Certains artistes considèrent les lampes à incandescence comme un inconvénient, car elles sont chaudes et éliminent la plupart de la fraîcheur d’un sujet.

Un fait important à propos de l’éclairage de votre sujet avec une valeur inférieure à 5500 Kelvin (une évaluation de la couleur de l’ampoule qui assimile le mieux la lumière naturelle) est que la lumière artificielle apparaîtra chaude. Certaines ampoules sur le marché offrent un meilleur équilibre de lumière pour vous aider à obtenir des couleurs plus froides dans votre peinture.

Par exemple, de nombreux artistes utilisent des ampoules à incandescence à spectre complet Chromalux montées sur une lampe d’artiste professionnelle Daylight ou une lampe combinée.

L’éclairage est le composant unique qui vous permet d’établir des couleurs vives ou ternes, des ombres, des reflets ou des tons plats sur votre sujet. Il s’agit d’une décision clé pour créer une atmosphère autour de votre sujet. Beaucoup de grandes peintures de nature morte utilisent l’éclairage comme thème principal.

Par exemple, si vous arrangez des objets de sorte que certains d’entre eux soient éclairés par une forte lumière et que quelques-uns soient dans l’obscurité, vous créerez un grand drame et une grande profondeur dans votre peinture.

Quelle que soit la façon dont vous avez choisie d’éclairer votre sujet n’oubliez pas que vous disposez d’un formidable outil pour influencer l’effet global de la façon dont votre sujet apparaît et de la façon dont les téléspectateurs sont susceptibles d’y répondre.

Cézanne le savait bien, et il passait parfois quelques semaines à mettre en place ses arrangements de nature morte pour qu’il ait juste le bon éclairage et l’environnement.

Ici l’artiste a utilisé une lampe combinée lors de la création du tableau.

La décision de diriger la lumière sur les objets a été guidée par une peinture Morandi généralement éclairée dans un éclairage de type plus plat qui ne projetait pas de grandes ombres. La peinture d’une lumière plus plate est certainement beaucoup plus difficile à enregistrer car elle repose davantage sur des changements de couleur tonale que sur des ombres projetées, des tons moyens distincts et des reflets nets. Cela demande également au peintre d’être plus sensible à l’observation des variations de température.

Mélange de couleurs dans une gamme limitée

Il arrive souvent qu’une harmonie d’une couleur domine une nature morte, tandis que deux ou trois autres jouent un rôle de soutien dans le drame. Si vous n’êtes pas sûr de ce que devrait être cette harmonie, placez une feuille de papier blanc sur une surface plane dans les zones générales du sujet, puis placez un petit objet blanc sur ce papier afin qu’il vous révèle immédiatement quelle est la couleur la température de vos ombres projetées doit être en matière de chaleur ou de fraîcheur.

La zone éclairée sera automatiquement à la température opposée.

La possession de ces informations vous aidera à mélanger les couleurs avec plus de précision en matière  de température de couleur de vos ombres, tons moyens et zones claires.

Par exemple, si le ton général de votre sujet est baigné par une lumière chaude, vous pouvez avoir des combinaisons de couleurs telles que des jaunes, des rouges et des oranges dans les zones de tons clairs et moyens. Les zones d’ombre comprendront des combinaisons de bleus, de violettes et de verts frais.

Afin de réaliser une harmonie de couleurs, il est utile d’établir des mélanges de couleurs en utilisant une palette limitée de quatre à six couleurs de tube plutôt qu’un large assortiment d’une douzaine ou plus.

Il est également recommandé d’utiliser le blanc avec parcimonie pour éviter d’affaiblir la chroma d’une couleur. Il est plus avantageux d’augmenter la valeur d’une couleur en y mélangeant des couleurs plus claires, comme le jaune de Naples clair ou le jaune de cadmium citron au lieu des blancs.

Je recommande d’utiliser de petites quantités de blanc afin de maintenir l’intensité des couleurs. De même, je suggère de neutraliser les mélanges de couleurs en ajoutant l’équivalent de la complémentaire d’un pigment. Plus vous vous familiariserez avec les propriétés uniques d’une couleur, plus vous aurez du succès avec le mélange des couleurs, car vous gagnerez en contrôle, en cohérence et en harmonie des couleurs.

La valeur, la couleur et la forme engendrent la forme

Une fois que les artistes apprennent à voir les gros points de couleur et non les détails, ils se concentrent sur la relation de valeur, la température de couleur et la forme. Lorsqu’ils enlèvent des notions objectives sur l’identité du sujet, ils sont libres de créer avec une formidable expression. Et lorsque leur dessin est précis et que leurs couleurs sont bien mélangées, un manque de détails n’enlève rien au sujet reconnaissable qui émerge et se lit comme sujet de la peinture.

Cézanne avait la capacité de jongler avec les lignes et les formes avec la juste attention aux deux. Il est rare qu’un artiste commande un tel équilibre, car la plupart des peintres privilégient l’un ou l’autre. Les volumes de ses formes peintes étaient parfois larges, des tons plats et, à d’autres moments, passés de la lumière à l’ombre.

Les qualités de ligne sont des couleurs calculées avec de forts mouvements directionnels qui vibrent contre les formes de masse. Il s’est appuyé sur ces lignes pour maintenir le contour de l’objet afin que ses tons cassés orchestrés ou ses tons ouverts de couleur puissent conserver leur fraîcheur.

 

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